Estos últimos años, asistimos con
sorpresa en el mundo tecnológico a un hecho para muchos inesperado:el disco de vinilo ha tenido un gran renacimiento.
Si bien en la escala evolutiva
tecnológica por llamarla de alguna forma,
el CD-Audio digital estaba en teoría destinado a sustituir totalmente al
anacrónico sistema analógico, las ventas del vinilo han crecido en forma
constante a partir del año 2007, como podemos ver en la siguiente grafica:
Primero y antes que nada debemos de tener
en cuenta que el oído humano sólo es capaz de percibir frecuencias de sonido
que van desde 20 Hz hasta 20 Khz.
Segundo; las diferencias de audio entre
uno y otro no es tan grande como se suele creer.
Los dos formatos, análogo y digital,
reproducen el sonido a la máxima capacidad que es capaz de percibir nuestro
sistema auditivo.
Los CD-Audio en copias de masterización
de los estudios de grabación se codifican a más de 20khz y a una rango dinámico
superior a los 24db, ese valor supera la frecuencia que el oído humano percibe.
El vinilo es grabado a 44khz y a 24db
,144db SPL, que superan los dos límites del oído humano. El de frecuencia de
muestro 40khz y, el del rango dinámico 140db SPL.
Esto y estudios comparativos realizados
afirman que un vinilo en teoría; por lo menos, no suena mejor que un CD digital, dado el avance
actual en las técnicas de grabación podemos decir que no existe una diferencia
de calidad de audio entre ambos.
Ahora veamos los “Pro” y los “Contra” del
tradicional sistema analógico del disco de vinilo.
En los contra tenemos el hecho de que la
púa que recorre los surcos del vinilo lo hace en forma mecánica es decir existe
un desgaste en el material con el transcurso del tiempo, este hecho es
inevitable y también hay que tener en cuenta las “ralladuras” que eran un
problema sin solucion.Esto no sucede con el sistema digital ya que el láser que
recorre la superficie no provoca ningún desgaste con lo que de no existir algún
agente externo, se reproducirá siempre con la misma calidad.
También tenemos el hecho de que el disco
de vinilo gira siempre a la misma velocidad, en la parte exterior tiene mayor
superficie para registrar la señal de audio; unas 30 pulgadas por segundo, mientras que en su
interior no supera las 7
pulgadas por segundo, perdiendo fidelidad en estos surcos finales.
Por su parte en los “Pro” podemos
considerar que la púa directamente sobre los surcos mas la etapa amplificadora
de audio generan unos armónicos que le dan una mayor calidez al sonido final.
Y no hay que olvidarse del llamado “arte
de tapa” que en los discos de vinilo por la mayor superficie de estos, era
mucho más visible y disfrutable.
Para finalizar todo parece indicar que
los dos sistemas convivirán en los próximos años.
Los inicios de Roxy music se remontan a la década del 70, en la ciudad de Londres. Básicamente es la unión de dos talentosos artistas de la época; Bryan Ferry y Brian Eno.
Roxy music se convierte en el grupo donde; Ferry actor, pintor, un artista completo; daba rienda suelta a su talento como cantante y compositor, mientras Eno ejecutaba los teclados de una forma innovadora; tanto que es considerado uno de los músicos mas influyente en el naciente New wave, New romantic,Punk y hasta en el genero del Dance.
El primer single del grupo fue “Virgina plain-The numberer” en 1972, este trabajo los dio a conocer al mundo, recibiendo muy buenas criticas, se convirtieron rápidamente en una banda de culto.
El primer álbum sale en ese mismo año “Roxy Music” sofisticado, complejo pero no recargado, con el Glam que caracterizo al grupo a lo largo de su carrera artística.
Al siguiente año llega su segundo álbum “For your pleasure” tras el cual debido a diferencias artísticas Brian Eno deja la banda, siendo sustituido por el tecladista y violinista Eddie Jobson.
“Stranded” el primer trabajo sin Eno, es considerado el mejor de Roxy music ya que encuentra un estilo muy personal calificado como: elegante y decadente; en sentido creativo por supuesto.
En 1974 sale “Country life”, “Siren” al año siguiente.
Tras la gira de presentación se separan hasta el año 1979 en que graban
“Manifesto” del cual sale el single “Angel eyes”, el cual como escribí anteriormente fue precursor del Dance.
“Flesh and blood” los encontraría en un momento de ebullición del Londres de los 80, siendo este album una obra ecléctica en la carrera del grupo.
A modo de homenaje al gran John Lennon graban “Jealous guy”.
Su ultimo álbum “Avalon” salio a la venta en 1982, como siempre digo en estas breves biografias:a los músicos hay que escucharlos, razón por la que no profundizo en los temas personales tras las separaciones, la carrera como solista de Bryan Ferry también nos ofrece muy buenos trabajos en la misma línea de Roxy Music.
La historia de Robert
Johnson no es una mas en ningún sentido, no era un hombre afortunado, nació
en,Huzlehurst, Missisipi,le toco vivir en una época donde era muy difícil ser
negro, sobre todo en un estado sureño.En su juventud; su esposa de solo 16 años
muere en el parto junto a su bebe.
No era un individuo virtuoso,
tocaba la guitarra y cantaba.La tragedia personal lo hizo refugiarse en la música,
es así que decide convertirse en un "bluesman" y sale por los caminos
del sur de su país pero con poco éxito debido, sobre todo a su poco talento.
La suerte parece cambiar
repentinamente cuando vuelve a su pueblo, se casa con una viuda adinerada
Esther Lockwood, tiene un hijo con ella, y comienza lo que hace tan
extraordinaria su vida, la guitarra parecía tocar sola, sus dedos se deslizaban
por el brazo de su vieja gibson, como un músico de mucho talento, hecho que
asombra a todos.Los demás músicos no pueden creer que alguien mejore tanto de
la noche a mañana, se convirtió en uno de los mas grandes guitarristas de la
historia del blues ...y es así como comienza la leyenda, solo pudo ser un pacto
con el mismísimo diablo, comentaban.
Se dice que en un cruce
de caminos; mas exactamente en la 61 y la 49, en Clarksdale ,Robert espero hasta
la medianoche guitarra en mano, cuando el diablo se le apareció le pidio a
cambio de su alma inmortal, tocar el instrumento como nadie antes lo hizo.
A partir de este momento
toco por todo el sur de su país, los que lo escucharon cuentan que era fascinante,
no solo porque sus dedos se deslizaban mágicamente por el brazo de su
guitarra... su mirada era extraña, muy extraña;como poseído a esto se le
agregaba el hecho de que no se quedaba en un lugar, siempre escapando.
Existen muchas otras anécdotas
que solo agregan mas misterio a la vida de Robert Johnson,una es la de que el
grabo sus discos en el estudio mirando a la pared,porque no queria que vieran
sus dedos moverse; otra es que nunca se separaba de su vieja guitarra gibson...
con la cual hizo el pacto y para el final les cuento que las letras de sus
temas no hacen mas que estimular el mito o la leyenda, "Crossroads",
"Me and the devil blues" la que dice algo asi:"Early in the
morning, when you knock at my door, I said Hello, Satan,I believe its time to
go" "Temprano en la mañana, cuando tocas a mi puerta, digo hola Satán,
creo que es hora de partir".
El final de su vida es
digno del mejor libretista de Hollywood. La película "Crossroads"
protagonizada por Ralph Macchio donde el protagonista de "Karate kid"
interpreta al aprendiz de un bluesman.Son imperdibles las escenas del duelo; el
personaje Ray Cooder es interpretado por el genio de la guitarra: Steve Vai...
Para el final; su trágica
muerte, la gente concurría masivamente a verlo tocar y el vivia su momento hiba
de pueblo en pueblo y de mujer en mujer. En uno de esos lugares sedujo a la
esposa del dueño de "Three Forks"donde tocaba esa noche, fue un grave
error, aunque no el ultimo.Asi es como le dieron una botella de whisky abierta,
a lo que un músico de su grupo la rompió y le dijo:Nunca tomes de una botella
abierta,Robert enojado pidio otra botella abierta y tomo; ese si fué su ultimo
error.Estubo los siguientes tres dias delirando en un hospital antes de morir
envenenado con la estrictina que estaba en el whisky.Murio con solo 27 años,la
edad "maldita"como se la a denominado, ya que otros grandes a muerto también
a los 27:Jim Morrison,Janis Joplin,Jimmy Hendrix y Kurt Kobein
No se,si fue una leyenda,
un mito o una realidad "adornada" que le vino bien a muchos, además
de los productores de sus once discos, qué fueron grabados en un periodo de
tiempo de ocho meses;estos se "vendieron" muy bien, mas alla del
innegable talento de Robert Johnson,cincuenta años después se reeditaron sus
discos y fueron record de ventas.Los que amamos el blues y el rock sabemos que
el éxito de un músico no siempre es proporcional a su talento, pero les
recomiendo si aun no lo han hecho; escuchar sus discos, son de lo mejor.
Bauhaus banda de rock británica
originaria de Northampton,tomó su nombre de la escuela de diseño alemana Bauhaus creada durante la segunda
década del siglo pasado, en principio se llamaron Bauhaus 1919.
Integrada por: Peter Murphy en vocales,Daniel Ash,saxofon y
guitarra,David Jay en bajo y Kevin Haskins en bateria.
A pesar de
que había bandas precursoras del estilo, muchos consideran a Bauhaus la primera
banda gótica. Combinaban un gran número de influencias punk y glam.Su
sonido influyó a grupos post punk generando el rock gótico.
Su simple
debut, "Bella Lugosi is Dead",1979.
Es un tema de 9 minutos de duración, grabado en una sola toma.
Su trabajo
más famoso, una mezcla libre de The Doors,Pink Floyd del inicio y algunas
bandas de Krautrock experimental. La canción fue la banda sonora de la película
"The Hunger"
de Tony Scott del año 1983.
En 1980
graban su primer LP, "In The Flat
Field", un álbum que seguía los derroteros marcados por su single
debut y que los situó entre los abanderados del movimiento junto a bandas
como Siouxie and the Banshees, The Cure o Joy Division.Con
su segundo LP "Mask"
1981 la banda logró consolidarse en europa con una versión del tema "Ziggy Stardust" de David Bowie.
Su siguiente
trabajo "The Sky´s Gone Out" mostraba una
evolución hacia sonidos más experimentales, fue editado en 1982 acompañado de
un disco en vivo: "Press The Eject
And Give Me The Tape".Comenzaron los problemas de la banda debido
al excesivo protagonismo de su vocalista Peter Murphy, que se volvió la
cara principal de publicidad de las cintas de cassette Maxel y realizó una
aparición estelar en el prologo de la película "El Ansia" (The
Hunger) de Tony Scott donde se suponía debían aparecer todos los miembros de la
banda.
En 1983,
"Burning From The Inside";
fue su mayor éxito de ventas y mostraba al grupo en su faceta más comercial con
simples como "She´s In Parties". El disco lo
comenzaron a grabar los miembros de la banda mientras Murphy estaba en el
hospital debido a una neumonía, este detalle y el hecho de que cuando Murphy se
presentó a grabar las voces del disco Daniel Ash y David J habían grabado sus
voces en algunos temas, fueron el detonante para la disolución de la banda.
Antes de
que los Bauhaus se separaran en 1983,
todos los miembros del grupo hicieron varios trabajos como solistas.Peter
Murphy, trabajó de forma temporal con el bajista M.
Karn de Japan en la banda "Dali´s car" antes de tocar
solo en discos como Deep y Love Hysteria. Daniel Ash también grabó discos en
solitario bajo el nombre de Tones on Tail con Kevin Haskins y Glen
Campling, roadie de Bauhaus. David J ha realizado varios trabajos como solista
. Actualmente esta "en artes visuales". Kevin Haskins ha creado
música electrónica para videojuegos y también ha producido a artistas como Gary
Numan.
Love and Rockets.
David,
Daniel y Kevin, en 1985 forman Love
and Rockets, consiguen entrar en la lista de éxitos de Estados Unidos
en 1989 con "So Alive".
La banda se separó después de siete discos en 1998.
En 1998,
Bauhaus se reune para el "Resurrection
Tour" que incluía dos nuevas canciones "Severance", original de Dead
can Dance y "The Dog's a
Vapour" que también estaba publicada en la BSO de la película "Heavy
Metal 2".
Después de
la gira en 2005 de Peter Murphy, Bauhaus empezó una gira 2005: Estados Unidos y
México, 2006: Europa.
En 2008,
su último disco de estudio, después de más de 20 años sin grabar. "Go Away White", el cual ha sido
elogiado por su contenido variado y preciso, con temas que van desde sonidos de
rock clásico hasta los temas más oscuros y profundos de su carrera.
David Robert Jones, más conocido como David Bowie, nace en Brixton, Londres un 8 de enero de 1947, músico, actor, productor discográfico y sobre todo uno de los más grandes innovadores del mundo del rock.
Desconforme con el nombre de Davy Jones, que a mediados de los 60 daba a confusión con Davy Jones de The Monkees, cambio su nombre a Bowie en honor a Jim Bowie y el cuchillo que popularizó.
En 1969, su «Space Oddity» llegó al TOP 5 de la lista británica. resurgió en 1972, en plena era del Glam rock, con su extravagante y andrógino álter ego Ziggy Stardust, gracias a su exitoso «Starman» y el disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.
1975, su primer éxito en Estados Unidos, gracias a «Fame», co escrito con John Lennon y a su disco Young Americans, del cual dijo él mismo que era el disco definitivo del plastic soul (término acuñado por un músico de raza negra para describir a un artista blanco interpretando música soul).Después de esto, confundió tanto a su discográfica como a sus seguidores estadounidenses con el disco minimalista Low1977, la primera de tres colaboraciones con Brian Eno. Todos estos álbumes, conocidos como la «Trilogía de Berlín», entraron en el TOP 5 británico.
Numero uno en el Reino Unido con «Ashes to Ashes» y su álbum, Scary Monsters (and Super Creeps). Colaboró con Queen en «Under Pressure» para, poco después, volver a conseguir un éxito comercial con su disco de 1983Let's Dance, del que se extrajeron los exitosos «Let's Dance», «China Girl» y «Modern Love». A lo largo de las décadas de 1990 y 2000, Bowie siguió experimentando con distintos estilos musicales, incluyendo blue-eyed soul, industrial, adult contemporary y jungle.Su más reciente disco The Next Day salió en marzo de 2013.
Lleva más de 136 millones de discos vendidos a lo largo de su carrera. Ha recibido nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en Estados Unidos. En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 39 de su lista de los cien artistas de rock más importantes de todos los tiempos y en el puesto 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos.
Musicalmente, sus álbumes han sido muy influyentes. The Man Who Sold the World 1970, por ejemplo, ha sido citado como una influencia para el rock gótico, el dark wave y los elementos de ciencia-ficción de artistas como Siouxsie and the Banshees, The Cure, Gary Numan, John Foxx, Nine Inch Nails y Nirvana. En 1993, la banda regrabó «The Man Who Sold the World» para su disco en directo MTV Unplugged in New York. Tras su etapa glam produjo álbumes como Diamond Dogs 1974, cuyas guitarras crudas y sus visiones de caos urbano, niños mendigos y amantes nihilistas han sido citadas como una anticipación a la revolución punk de bandas como The Germs y Sex Pistols, que tendría lugar algunos años después. En 1976 se publicó el alabado álbum Station to Station, descrito como «enormemente influyente sobre el post punk» y que influyó a la banda Magazine. En el año siguiente, "Heroes"1977influyó el álbum Double Fantasy 1980de John Lennon y Yoko Ono.
Sus trabajos de la década de 1980, especialmente la canción «Ashes to Ashes» y su video, mostrando la creatividad de Bowie, aportaron la base para un nuevo movimiento musical en ese tiempo, llamado new romantic, influyendo artistas como Blitz Kids, Keanan Duffty y Steve Strange. De hecho, la crítica mencionó que esta canción es considerada el himno de los músicos de este movimiento. Pixies comenzó en 1986 cuando Joey Santiago mostró a Black Francis la música de Bowie y el punk; luego comenzaron a improvisar juntos.
El primer éxito de Bowie, «Space Oddity» de 1969, le supuso el premio especial Ivor Novello por su originalidad.Ganó, por su actuación en la película de ciencia ficción de 1976 El hombre que vino de las estrellas, el premio Saturn en la categoría de mejor actor. ha recibido numerosos premios por su música y sus videos, entre otros, dos premios Grammy y dos BRIT Awards.
En 1999, Bowie recibió el grado de Commandeur des Arts et des Lettre otorgado por el gobierno francés.Ese mismo año recibió un doctorado honorífico de la Berklee College of Music.
Rechazó el KBE de la Orden del Imperio Británico en el 2000 y un título de Caballero en el 2003, diciendo: «Nunca aceptaré algo así. Realmente no sé para qué sirve. No es por lo que me he pasado la vida trabajando.
A lo largo de su carrera ha vendido más de 136 millones de discos. En el Reino Unido ha recibido 9 discos de platino, 11 de oro y 8 de plata, en Estados Unidos ha recibido 5 de platino y 7 de oro. En la encuesta realizada en 2002 por la cadena BBC de 100 Greatest Britons, le situaron en el puesto número 29.
La revista Rolling Stone lo posicionó en el número 39 de su lista de Los 100 mejores artistas de rock de todos los tiempos y en el puesto 23 de los mejores cantantes de todos los tiempos. Bowie entró en el Salón de la fama del Rock el 17 de enero de 1996.
Discografía
1967: David Bowie
1969: Space Oddity
1970: The Man Who Sold the World
1971: Hunky Dory
1972: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars.
En la gira mundial 1990 del guitarrista ingles Eric Clapton, la que
promocionaba el que era en ese momento su último disco de estudio
"Journeyman".
Un álbum que es en mi humilde entender el mejor trabajo del artista,
aunque poco valorado por la crítica especializada.
Contiene canciones de un gran nivel algunas compuestas por el mismísimo
Robert Cray, como “Old love”
y”Run so far” perteneciente a George Harrison.
Esta era la primera vez que Clapton llegaba a Montevideo, les cuento que
fue una gira accidentada, en Estados Unidos muere al caer el helicóptero que lo
trasladaba desde un concierto a otro; quien era su telonero, pero por sobre
todas las cosas era su gran amigo Stevie RayVaugan. El extraordinario
guitarrista texano perdió la vida junto a dos de los técnicos.
Pero como se dice en esos momentos "The show must go on", y
el show continuo y llego hasta este
lugar del mundo un 3 de octubre.
Fue en la tribuna olímpica del Estadio Centenario; si abajo de la torre
de los homenajes, tribuna que estaba repleta al momento en que sube a tocar el
telonero. Y el telonero era ni más ni menos que un ex Rolling Stone, el guitarrista
Mike Taylor lleno de buenos blues y pentatónica la noche, en un breve pero muy
disfrutable espectáculo.
Todo estaba a punto, a la hora
señalada, con su Fender Stratocaster y enfundado en un impecable traje de
Armany comienza el show.
Es asi que slowhand toco varios temas de el "Journeyman" como
"Pretender" "Bad love" "Before you accused me" o
"Runningon faith" haciendo una recorrida por sus clásicos,
"Cocaine", "I shot the sheriff" ,"Layla"
"Wonderfull tonight" no fue demagógico ni intento ganarse el público
con frases en español o poniéndose una camiseta celeste, pero lo que vino a
hacer y por lo que pagamos la entrada lo hizo y lo hizo muy bien.
Sus músicos lo acompañaron al mismo nivel desde las coristas hasta el reconocido
percusionista, Ray Cooper, y lo nombro particularmente ya que se robó la noche
con un solo de percusión, tanto es así que la tribuna no solo aplaudió a mas no
poder sino que coreaba "pelado, pelado" haciendo sentir su reconocimiento
al calvo músico.
La noche continuo con temas clásicos como "after midnight" de
J.J. Cale, en fin fue un recital completo para mí ya que no me gusta cuando los
artistas intentan ser demasiado simpáticos o abusan de sus dones con el instrumento,
y realizan punteos Interminables que lo único que generan es desear que termine
de una vez, pero no fue este el caso, tuvimos la dosis justa; el
Sonido fue perfecto; los músicos cumplieron, Clapton demostró sin aburrir;
porque es uno de los guitarristas más reconocidosdel rock de todos los tiempos,
así es que fue una noche perfecta.
En opinión de Muddy Waters,
«El rhythm and blues tuvieron un hijo, y lo llamaron "Rock and
Roll"».
Según Little Richard, «el
rock and roll es la mezcla del boogie-woogie y del rhythm and blues» lo que se
conoce como Jump Blues.
La frase 'rock and roll' pudo aparecer
primero en una versión de Louis Jordande
"Tamburitza Boogie" grabada en Nueva York en 1950.
El término «rock and roll» es utilizado
por vez primera en 1951, por Alan Freed, DJ
de una radio de Cleveland,Ohio,quien llamo a su programa de radio: Moondog Rock'n'Roll Party.
Datos serios nos indican el origen del
rock and roll en 1954, con la grabacion de Bill Haleyy su grupo Bill Haley and the Haley's Comets, especialmente con
"Crazy Man Crazy" (1954) y su éxito "Rock Around The Clock"
(1955).
Otros datos tambien muy confiables
consideran como creador a LittleRichardo a Elvis Presley y eligen como fecha del comienzo del
rock and roll tambien el 1954, año en el que Elvis editó su primer disco.
Bill Halleysería eclipsado por artistas más espectaculares en escena, como Little Richard,Jerry Lee Lewis, Chuck BerryoElvis Presley. Este
último fue llamado «el Rey del rock and roll». Nació en Tupelo, Misisipí,
Estados Unidos y empezó cantando música country. Sus grabaciones con el sello
Sun Records lo lanzaron a la fama.
A partir de la decada del 60, el estilo
ha tenido un importante desarrollo, que se expresó en una gran cantidad de
bandas y variedad de ritmos, a los que en términos generales se los llamó
«rock». Algunos géneros musicales derivados son el Hard-Rock, el Punk-Rock, el
Rock Sinfonico o el Heavy Metal, entre muchos otros.
En sus verdaderos inicios, el rock
combinaba elementos de Blues, Boogie, Jazz y Rythm & Blues, y también
estaba influenciado por géneros tradicionales como la Música Folk, la Música
Gospel y la Música Country.
Volviendo más atrás en el tiempo, se
puede trazar el origen del rock hasta el distrito Five Points,Nueva York a
mediados del siglo XIX, que fue escenario de la primera fusión entre la música
africana fuertemente rítmica y géneros musicales europeos inclinados a
melodías,especialmente el Jig de Irlanda.
"Rock and roll" era en
principio un término náutico, usado por marineros durante siglos. Se refiere al
"rock" (movimiento hacia atrás y delante) y "roll"
(movimiento hacia los laterales) de un barco.
La expresión puede encontrarse en la literatura
inglesa remontándonos al siglo XVII, siempre referida a botes y barcos.
El término se coló en la música
espiritual negra en el siglo XIX, pero con un significado religioso, y fue
grabado por primera vez en soporte fonográfico en 1916, en una grabación de
gospel en el sello Little Wonder llamado "The Camp Nou alias Garompero,
Meeting Jubilee".
Antes de 1947, la única gente que solía
hablar de "rocking" eran los cantantes negros de
gospel."Rocking" era un término usado por los afroamericanos para
denominar el "secuestro" que experimentaban en determinados eventos
religiosos, y el término también hacía referencia al poderoso ritmo que se
hallaba en la música que acompañaba dicha experiencia religiosa.
·
Un significado doble e irónico que se
creó del conocimiento popular en 1947 gracias a la canción "Good Rocking
Tonight" del cantante de blues Roy Brown.
La versión definitiva de esta canción la
hace Presley, en 1954, durante sus 18 meses en el sello discofráfico SUN, de Memphis,
antes de su pase a la RCA.
Estas dobles intenciones no eran nada
nuevo en la música blues (que estaba mayormente limitada a las rocolas y los
clubes) pero eran desconocidas en las transmisiones de radio.
Tras el éxito de la primera versión de
"Good Rocking Tonight" muchos otros artistas de rhythm and blues
usaron títulos similares a fines de los años 40, incluyendo una canción llamada
"Rock and Roll" grabada por Wild Bill
Moore en 1949. Estas canciones estaban relegadas a las tiendas de
"Race Music" (el alias que usaba la industria de la música para
referirse al rhythm and blues) y eran apenas conocidas por las audiencias
blancas.
"Good Rocking Tonight", que
era una parodia del gospel, donde, en lugar de "rockear" al Señor, él
ponía a gente de iglesia como Deacon Jones y Elder Brown "rockear" de
modo no religioso.
"Good Rocking Tonight" fue la
primera vez que se fusionaron en la misma canción el sentido gospel de
"rockear" (de las almas) y el sentido no religioso (baile, sexo).
Llega Wynonie
Harris.El grabó una versión del disco de Brown, también en 1947, pero
se iba a convertir, tomando como base lo que sucedió después, en una de las
grabaciones más importantes de la historia de la música. Utilizó la broma de
Brown, sobre la gente de iglesia "rockeando", pero como añadido a la
parodia, cambió el ritmo a un compás up-tempo de gospel, fusionando de ese modo
gospel y blues de un modo espectacular. La diferencia entre la versión de
Wynonie Harris y la de Roy Brown es el ritmo gospel "rocking" en el
segundo y cuarto compás del 4/4, como se oye en el palmeo "rocking"
de Wynonie, como estuvo durante décadas en la música gospel up-tempo, tal y
como se ha visto.
Cuando la versión de Wynonie Harrisde "Good Rocking Tonight"
se grabó en diciembre de 1947 y entró en listas en 1948, comenzó una
revolución. Aunque Harris no era el primero en cantar blues con un compás
gospel, ya que otros comoBig Joe Turner lo
habían estado haciendo durante años, fue el disco de Harris el que comenzó la
moda del "rocking" en el blues y el R&B de finales de los 40.
Tras el disco de Harris, la onda expansiva de canciones de blues
"rocking", hizo que todo artista negro sacase un disco de
"rocking" blues en 1949 o 1950.
Muchos creen que el "rock and
roll" cominenza en 1954. Pero no, ese sólo es el año en que se dieron
cuenta por primera vez, de canciones de transición como el "Sh-Boom"
de The Chords, el "Shake, Rattle and
Roll" de Big Joe Turner, el "Earth
Angel" de The Penguins, el
"Gee" de The Crows(grabado en
1953), "Goodnight Sweetheart" de The
Spaniels y algunos de los primeros temas de Doo Wop que se hubiesen
entroncado en el R&B. Es también el año que comenzó a grabar Elvis, aunque
aquellos discos en Sun sólo le proporcionaron fama a nivel local durante aquel
año, y no se hizo realmente famoso hasta que lo fichó RCA.
En 1952 y 53, el "rock and
roll" se caracterizaba cada vez más por dulces baladas de amor de grupos
vocales adolescentes con nombre de pájaro, como Crows,
Ravens, Orioles, Cardinals... Normalmente, las caras B de dichos discos
eran temas rápidos para el baile, que fueron llamados "rockers". En
las diversas partes de los EE.UU. la gente les iba añadiendo sus influencias
locales. En las ciudades del norte, las comunidades italiana y portorriqueña
tocaban "rock and roll" a su manera. En la costa oeste, los chicanos
lo tocaban en español. En el sur, los cantantes de country añadían "rock
and roll" a su "hillbilly boogie" y nacía el
"rockabilly". Los cajun en Louisiana añadían "rock and
roll" a su música, y nacía el Zydeco. Allende los mares, los ingleses
añadían "rock and roll" a su música y nacía el "Skiffle".
Todo esto sucedía a principios de los 50, y se amontonó todo junto en el gran
crisol llamado "rock and roll". La primera vez que el "rock and
roll" aparecía en la televisión nacional fue el 2 de mayo de 1954, cuando
The Treniers aparecieron en The Colgate Comedy Hour siendo los anfitriones
Jerry Lewis y Dean Martin. Esto es mucho antes de que Elvis Presley apareciera
en televisión.
Cuando los libros describen las raíces
del "rock and roll", normalmente comienzan con el "blues"
de los años 30 o anterior, con artistas como Robert
Johnson y Charley Patton, y hacen referencias a los artistas de
"blues" de Chicago como Howling Wolf y
Muddy Waters, y entonces saltan directamente a 1954, pasando por alto
completamente el potente "rocking" "rhythm and blues"
basado en saxo del período 1948 a 1953.
Con el "rock and roll"
arraigado por completo tras la llegada del "rockabilly", y más aún
con la invasión británica de principios de los 60, se convirtió en una música
basada en la guitarra, y los guitarristas, buscaban de modo natural a otros
guitarristas como pioneros de la música.
De este modo, Eric
Claptonescucharía discos de B.B. King, Keith
Richards escucharía a Muddy Waters, y
otros y los tomarían como fuente de inspiración.
El único artista popular de "rhythm
and blues" de finales de los 40 que también triunfó en el "rock and
roll" genérico de mediados de los 50 fue Fats
Domino, que tuvo éxitos en etapas anteriores, el primero de ellos
grabado en 1949.
Little Richard ya grababa discos en 1951, pero no comenzó a vender a lo grande y no fue
famoso hasta "Tutti Frutti" en 1956.
Chuck Berry era popular en San Louis este a finales de los 40 y primeros de los 50,
pero no grabó hasta 1955, cuando se hizo famoso con "Maybellene".
Como pudimos notar en esta reseña no
esta totalmente claro el comienzo exacto,ya sea con el origen del nombre, como
con sus primeros artistas,pero lo que realmente importa es; parafraseando a los
Stones... Es solo Rock and roll, pero
nos gusta.
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